История веера

О происхождении веера существует легенда: в жену бога любви Эроса-Психею влюбился бог западного ветра Эол. Во время отсутствия Эроса Эол проник в комнату к спящей Психее и стал ее целовать. Вернувшийся Эрос в гневе оторвал крыло у соперника. От шума проснулась Психея. Взяв трофей мужа, она кокетливо стала им обмахиваться. Вот так, по греческому преданию, и появилось первое опахало.



С начала второго тысячелетия до нашей эры опахало было уже известно в Китае и Японии, где оно было важнейшим предметом быта, атрибутом царского достоинства. Им приветствовали друг друга. Опахало с изображением восходящего серебряного солнца служило символом военной власти. Генералы использовали его при отдаче команд. Сохранился специальный кодекс от 5 века до нашей эры, в котором строго регламентировалось употребление опахала. Так, например, императорская семья имела опахало, украшенное золотом и нефритом;мандарины-опахало с серебром и слоновой костью; ученые-самое простое, из вощеной бумаги. Осмелившихся же иметь опахало не по рангу били кнутом.



В Древнем Египте даже существовал высокий титул "носителя опахала с левой стороны". И только лица царской крови имели право на этот титул. В гробнице Тутанхамона найдено деревянное опахало полукруглой формы, обитое толстыми золотыми пластинами. На нем сохранились остатки страусовых перьев. В Европе опахало начали появляться в 15-начале 16 века. Изготовляли их из перьев, бумаги, ткани в форме флажка или круга на ручке, которая вращалась наподобие трещотки. Материалом для их изготовления служили дорогие породы деревьев, кость, золото, а украшением-жемчуг, драгоценные камни. Иногда в ручке опахала был встроен тайник для записок или яда. И такие изделия поистине являлись произведениями искусства и стоили очень дорого.



В Европу веер был завезен из Китая предприимчивыми португальцами в середине 16 века. Веер того времени представлял собой складное опахало eventail.



(Для сведения: eventail-в переводе с французского "веер", происходит от "event", что означает "свежий воздух").



Появление складных вееров в Европе связано с эпохой итальянского Ренессанса.

Но настоящего триумфа веер достигает в эпоху рококо во Франции в 18 столетии. Весь облик легкой, лукавой, одетой в шелка аристократки с припудренными волосами, белоснежной кожей и розово-фарфоровым личиком говорил о том, что веер ей необходим.

Он стал тем гениальным акцентом, который приближал ее образ в идеалу эпохи. В 1757 году в Париже вышла книга «Учебник четырех цветов» (Le livre de quatre couleurs), подробно описывающий дамские манеры и туалеты. Отдельную главу в книге занимало описание «языка веера».

Это была целая система знаков. Нечто похожее на язык сигнальных флажков на кораблях, где любой взмах, положение, поворот имели определенный смысл и понимались без слов. Язык веера был общепринятой частью любовной игры. Ему уделялось большое внимание на уроках танцев и этикета.

Считается, что придумали эти знаки испанки, а француженки добавили к ним правила придворного этикета (например, при появлении королевы веер мгновенно складывался).

Украшение вееров – высоко искусство. Один только перечень материалов, из которых их делали, завораживает: шелк, кружево, кожа ягненка, пергамент, черепаховый панцирь, слоновая кость, перламутр.

Для отделки использовались цветы, бриллианты; в веера вставляли маленькие зеркала, расписывали их сценками из жизни пастушков и пастушек, видами прекрасных замков и китайских пагод. Фантазия знаменитых живописцев превращала веер в настоящее произведение искусства.



В XVIII веке, веке свободных нравов, также были созданы новые веера: с пикантными рисунками, запрещенными для детей; со стратегическими дырочками, которые позволяли незаметно наблюдать за людьми; со сложными механизмами, посредством которых дама могла выразить свое согласие, назначить час встречи, и эти действия не были понятны другим. Для серьезных людей были серьезные веера, расписанные знаменитыми художниками, о которых коллекционеры спорят до сих пор.



В 19 веке правила хорошего тона рекомендовали дамам иметь веер в зависимости от возраста и положения. Вдовам в первые дни траура полагался черный веер, затем фиолетовый. Девушкам рекомендовалось пользоваться одноцветным-белым, голубым, розовым и без украшений. Веер был одним из немногих сувениров, который девица могла принять от кавалера. Соблюдая правила, хозяйка дома должна держать веер на столике в гостиной.



В 19 и начале 20 века веер остается лишь дополнением к бальному платью, но зато становится крупнее и уже является достоянием не только высшей аристократии, но и буржуазного класса. Женщины имели возможность подбирать веер в тон туалету, поскольку цены на них были весьма доступными.

В начале 20 века большим успехом пользовались перьевые веера белого и черного цвета. А к 1915 году веер навсегда исчезает со сцены европейской моды. Последний гвоздь в крышку футляра для веера забил немецкий журнал "Нет ничего вреднее для здоровья, чем овевание разгоряченного тела приводящее к головным болям, жару и смертельному исходу". Дамы решили сохранять свое здоровье - и веер практически, исчез.

---

Мода 1930-40-х годов

Костюм 30-х годов



В 1929 г. в странах Западной Европы и Америки наступает экономический кризис, породивший безработицу. Новый эстетический идеал утрачивает те черты энергии, молодости, жизнерадостного мировосприятия, которые были свойственны предыдущему периоду.



Женская мода ориентируется на более зрелый возраст, женственный, но и более мещанский идеал. Носителем идеального облика становится героиня кино — самого популярного вида искусства в эти годы. Образы, созданные киноактрисами Гретой Гарбо и Марлен Дитрих, содержат в себе черты романтической таинственности, эксцентричности, и вместе с тем спортивности и независимости.



Идеальный внешний облик 30-х гг. — удлиненная стройная фигура с узкими талией и бедрами, плоской грудью, пушистой перманентной завивкой. Силуэты одежды соответствуют фигуре, разнообразие композиции основывается на многочисленных вариантах драпировок, складок, на соотношениях блестящей и матовой фактур ткани, на ее цветности. Этот период связан с творчеством известных кутюрье-женщин — Вионне и Скьяпарелли, модели которых характеризовались косым кроем и яркой цветностью тканей. Особенно моден был цвет розовой лососины, предложенный Скьяпарелли.



Преобладающей орнаментацией были мелкие цветочные узоры, натуралистично изображенные маки, васильки, ромашки, хризантемы, а также полоска и клетка, которые очень эффектно использовались в моделировании. Применялись недорогие по волокнистому составу ткани: льняные, хлопчатобумажные (полотно, перкаль, маркизет, органди), искусственный шелк. Из шерстяных тканей — разнообразные твиды. По-прежнему популярен был трикотаж — шерстяной, шелковый, хлопчатобумажный.



Ассортимент одежды 30-х гг. был разнообразен: платья, костюмы, блузки, юбки, пальто, женские брюки. Для каждого вида одежды было характерно большое разнообразие фасонных линий и отделки, но силуэт и длина, принятые модой на сезон, у всех одинаковые.



Широко применялись в костюме украшения: броши, колье из искусственных материалов, искусственные цветы на платьях, головных уборах.



Костюм 40-х годов



Одежда укоротилась (до коленей) и расширилась в плечах с помощью высоких плечевых прокладок. Талия четко обозначилась на естественном месте с помощью широкого пояса.



Контраст тонкой, стянутой широким ремнем талии с широкими плечами создавал впечатление хрупкости, сочетал спортивно-военную выправку с женственностью. Красивая прическа из гладких полудлинных волос могла быть уложена в сетку, связанную из такой же шерсти, как сумка и перчатки. Популярным головным убором стал тюрбан, скрученный из шарфа. В ассортименте одежды преобладали платья-костюмы и жакеты, блузки, юбки прилегающего, расширенного книзу силуэта и короткой длины. Пальто и жакеты были и прямого силуэта. Короткий и широкий силуэт фигуры в виде прямоугольника или двух треугольников, соединенных вершинами на талии, опирался на устойчивую обувь на толстой подошве с высоким прямым или клиновидным каблуком

---

Торговый дом "Тиффани"

Большинству людей слово "Tiffany" кажется весьма знакомым и легко распознаваемым. У некоторых это слово ассоциируется с самой большой и самой известной ювелирной фирмой "Tiffany Co.", в то время как другие связывают это со знаменитой техникой изготовления ламп.

В любом случае оба этих предположения верны, так как мы имеем дело с той же самой семьей, в которой были самые замечательные и талантливые художники того времени. В то время как отец семьи, Чарльз Льюис Тиффани, основатель известной фирмы драгоценностей, возглавлял семейную компанию, его сын Луи Тиффани (1848-1933) решил следовать за его страстью к искусству, становясь в то же время одним из легендарных стекольных проектировщиков.



В комментах - фотографии ламп и ваз от Тиффани.

---

И опять - Лина Кавальери

Последняя роковая женщина и первая супер-модель



Автор: Эльвира Барякина



Человечеству всегда было свойственно искать идеал женщины — будь то Дева Мария, боярыня Морозова или Анджелина Джоли. Смотреть с замиранием сердца, узнавать мельчайшие подробности биографии... «Какова, а?! Ну ведь звезда! Звезда!» И это приобщение к высокому приятно скрашивает наше житье-бытье.



Современный человек не имеет никаких проблем с поиском идеала: у нас каждый день по телевизору звезды в ассортименте — только выбирай... А ведь чуть больше ста лет назад рядовому гражданину было буквально не на чем остановить взгляд — визуальных образов в его жизни было — раз, два и обчелся: ну, портрет Ее Величества в присутственном месте, ну вывеска «Cдобныя булки» с розовощекой теткой посередине... О том, на что похожа жизнь за пределами родного города, можно было узнать лишь по описаниям в книжках, по рисункам, да по редким фотоснимкам в журналах.



Все изменилось в конце XIX столетия. С одной стороны, производство фотографии значительно удешевилось, а с другой — большинство европейских стран узаконило хождение почтовой открытки.



Это была настоящая визуальная революция. На открытках печатали все, что угодно: от сцен тушения пожаров до похорон архиереев. При этом качество этих снимков значительно превосходило любые журнальные публикации.



Первенство по продажам, разумеется, держали артистки. Внезапно простые люди получили возможность поглазеть на великолепные наряды, на «белоснежные плечи» и «огненные глаза», столь восхваляемые газетными хроникерами. Коллекционная лихорадка моментально охватила всю Европу и Америку. «Артисток» выставляли в витринах, развешивали над кроватями и хранили как важную часть приданого. Спрос на красоту был таков, что начиная с 1906 года продажи открыток удваивались каждые шесть месяцев. Это был самое массовое хобби в истории человечества.



Первой всемирно признанной фото-дивой суждено было стать итальянке Лине Кавальери. Она родилась 25 декабря 1874 года в городе Витербо недалеко от Рима. Ее семья была настолько бедной, что ни о каком серьезном образовании даже речи идти не могло. Платьишки были самодельными, туфли доставались в наследство от родни.



Будущая звезда начала свою карьеру с продажи фиалок на углу. Но для юной девушки это было небезопасное занятие: многие страстные сеньоры считали, что она должна торговать не только цветочками, но и собой. Дело раз за разом кончалось пощечинами и слезами, и за неимением других талантов Лине пришлось переквалифицироваться в певицы в кафе-шантане.



Но и там ей недвусмысленно намекнули: хочешь денег и успеха, не огорчай отказами тех, кто может тебе помочь. Между тем деньги Лине были отчаянно нужны: ее отец потерял работу и ему просто не на что было содержать многочисленное семейство.



Лине пришлось принять намеки доброжелателей к сведению, и весьма скоро ее имя появилось на афишах самых престижных увеселительных заведений Рима. Через год она выступала в знаменитом «Фоли Берже», еще через несколько месяцев — в Лондонском Императорском Театре. Но наибольшую славу ей принесло сотрудничество с парижским фотографом Леопольдом-Эмилем Рутлингером.



Рутлингер был одним из самых успешных фото-мастеров своего времени: в его клиентах ходил весь цвет европейской аристократии. Заработав капитал на дамах высшего общества, он решил вложиться в новомодный открыточный бизнес. Именно в его студии начали создаваться фотографии парижских красоток, во многом благодаря которым конец XIX — начало ХХ веков получили название "Эпоха Красавиц".



Рутлингер тщательно выбирал своих моделей. Это должны были быть не просто милашки с котятами, щенками и пасхальными корзиночками в руках. Рутлингеру нужны были женщины-сенсации: первая красавица Парижа — балерина Клео де Мероде, звезда варьете Лиан де Поги, куртизанка Каролина Отеро, по форме груди которой были сделаны купола отеля «Карлтон» в Каннах...



Подписав контракт с начинающей певицей Кавальери, Рутлингер не прогадал. К тому моменту, когда его студия выпустила первую серию портретов Лины, произошло нечто невероятное: в нее влюбился представитель одного из самых знатных родов России — князь Александр Барятинский.



Слухи о романе итальянской красавицы и потомка Рюрика подняли Петербург на дыбы. Билеты на представления с участием Кавальери перепродавались с десятикратной накруткой, а открытки с ее портретами разлетались как горячие пирожки, принося издателю бешеные барыши.



Дело шло к свадьбе. Однако петербургский истэблешмент воспринял известие о браке Кавальери и Барятинского как пощечину общественному вкусу. Да заведи себе князь пятьдесят шансонеток-любовниц — ему бы и слова никто не сказал, но шансонетку-невесту ему не простили. Николай II напрямую запретил Барятинскому жениться на Кавальери, и Александр не посмел ослушаться государя.



Лина чувствовала себя так, будто ей публично высекли. Она была богата и знаменита, ее называли самой красивой женщиной мира... Но при этом двери высшего общества были для нее закрыты. Разумеется, после такого унижения она была просто обязана «показать им всем».



В конце XIX века артисты не пользовались уважением в глазах сильных мира сего: их расценивали как людей второго сорта — вынужденных петь и танцевать на потеху публике. Единственным исключением являлись звезды оперы и балета — это уже было высокое искусство, которому аплодировали короли и императоры. Однако, чтобы получить место даже в хоре или кордебалете, нужно было обладать поистине выдающимися природными способностями и отличной школой.



Лина Кавальери не имела ни того, ни другого. Но зато она твердо знала, что ей нужно от жизни. Она пригласила к себе самых лучших учителей, которых только можно было нанять за деньги, и принялась делать из себя оперную примадонну.



В 1900 году Кавальери отправилась в Лиссабон, где состоялся ее дебют на оперной сцене. Но это выступление закончилось полным провалом: зрители свистели и топали ногами, а на следующий день газеты напечатали такие рецензии, что Лине впору было бежать на край света и больше никогда не показываться на глаза публике.



Завистники ликовали, а между тем Лина и не думала сдаваться. Она вернулась в родную Италию и с еще большим упорством принялась за репетиции. Через два месяца она вновь вышла на оперную сцену — и на сей раз была встречена публикой весьма благосклонно: и это несмотря на то, что многие пришли на представление лишь для того, чтобы убедиться в «старой истине» — красивая женщина не может быть талантливой.



Через год даже скептики были вынуждены признать: случилось чудо — кафе-шантанная певичка, успех которой держался лишь на внешних данных и деньгах многочисленных любовников, превратилась в настоящую оперную звезду. Ей рукоплескали в Милане, Петербурге и Нью-Йорке. Восторженные студенты носили ее на руках в буквальном смысле слова — от вокзала до гостиницы и от гостиницы до театра. Газеты чуть ли не в каждом номере печатали последние новости из ее жизни: с кем она выходила на прогулку, что ела на завтрак и как себя чувствовала ближе к обеду. Кроме того, Лина активно снималась в рекламе: шоколад, папиросы, граммофоны «Коламбия», мыло «Палмолив»...



Кавальери превратилась в объект поклонения миллионов. Ни одна женщина до этого не пользовалась такой ошеломляющей популярностью. Лина была символом успеха и зримым доказательством того, что терпение и труд могут вознести тебя на самую вершину Олимпа. И неважно при этом, кем ты являешься по происхождению.



Публика с жадностью изучала каждый ее портрет, появляющийся в продаже: прической а-ля Кавальери щеголяла чуть ли не каждая вторая модница; Линины наряды тут же копировались журналами; даже ее фамилия была подвержена тиражированию: вдруг откуда ни возьмись материализовались еще три Кавальери — Мария, Милита и Линда. Все три — «однофамилицы от рождения» и все три — певицы.



В 1910 году в жизни Лины произошел еще один громкий скандал: газеты сообщили о том, что она вышла замуж за американского миллионера Роберта Ченлера. Этот брак с самого начала носил весьма странный характер. Поговаривали, что Лина согласилась пойти под венец лишь на следующих условиях: она проживет с Ченлером ровно неделю, а за это он перепишет на нее все свое имущество.



Разумеется, родственники Ченлера пришли в ужас от подобной сделки. Чтобы признать брак недействительным, они были готовы пойти даже на то, чтобы упрятать Роберта в дурдом. В конце концов Кавальери и Ченлер развелись, и она вернула ему всю его собственность. При этом ее карьера существенно пострадала: родня ее бывшего мужа настояла, чтобы администрация Нью-Йоркской Метрополитен Оперы разорвала с Кавальери подписанный ранее контракт.



Следующим ее мужем стал оперный тенор Люсьен Муратор. Звездная пара выступала на театральной сцене, разъезжала по турне и ставила эксперименты по съемкам кино-варианта оперы «Манон Леско». Это был довольно рискованный шаг. Шел 1914 год, кино было немым и звуковым сопровождением «синема-оперы» могло быть либо треньканье местных пианистов, либо шипение патефонной пластинки. К тому же синематограф считался низким жанром и серьезные актеры стыдились играть перед камерой — даже за солидные гонорары. Фильму предсказывали провал, однако Лина и здесь не прогадала: публика валом валила в электротеатры — ведь Кавальери была первой актрисой мирового уровня, согласившейся играть в кино. И бог с ним, со звуком! Лучше один раз увидеть, чем сто раз услышать.



Из рекламы фильма с участием Лины Кавальери: "Синема-драма в пяти актах с прологом. Действие происходит в Риме в наши дни. Костюмы героини — последние парижские новинки фирмы Paquin. На экране видна личная вилла Кавальери, три нитки жемчуга стоимостью в 2 миллиона франков и шиншилловое манто стоимостью в 250 тысяч франков".





Оперная карьера Лины прервалась с началом Первой мировой войны. Новости с фронтов заменили светскую хронику, типографии столкнулись с острой нехватки бумаги, и это положило конец эпохе открыточных красавиц. Мир покатился в тартарары: Люсьен, оба брата и сын Кавальери записались в армию, и сама она также поступила в госпиталь, чтобы работать там в качестве сестры милосердия.



После войны Лина больше уже не пела. Ей было за сорок, но она все еще была необыкновенно хороша. Она выпустила книгу по уходу за телом и лицом, открыла институт красоты в Париже и снялась в еще нескольких фильмах. Однако личная жизнь у нее не складывалась: выяснилось, что Люсьен ей регулярно изменял и даже имел ребенка от другой женщины.



Последним мужем Лины был Джованни Кампари, виноторговец, с которым она прожила до конца своих дней. Она погибла 8 февраля 1944 года — удар авиабомбы разворотил ее виллу и похоронил под обломками и Кавальери и ее гостей.



Судьба Лины довольно долго волновала воображение драматургов. По мотивам ее биографии были написаны пьесы, поставлены мюзиклы и сняты фильмы — причем два из них при ее жизни (в 1920 году — с Дорис Кин в главной роли и в 1930 — с Гретой Гарбо). Но постепенно о Кавальери забыли. И сейчас лишь открытки, время от времени появляющиеся в антикварных магазинах, напоминают о «последней роковой женщине девятнадцатого столетия и первой супер-модели века двадцатого».

---

Старая реклама сигарет Camel.



Как по мне - гораздо интереснее теперешней:-)

---

Известные модельеры представляют новинки 1936 года



Модель от Мэгги Роуф



Остальное - в комментах.

---

Еще одно фото мадам Шанель

---

Габриэль Шанель

Женщина, изменившая лицо моды.



В комментах - несколько картинок.

---

Хелен Беннетт, актриса и модель.

(14.08.1911 - 25.02.2001)

Фото 1937 года.

---

Новый мужской имидж в 1910-20 гг. ХХ века.

"В начале 20-ого века в Америке в моду вошел новый мужской образ, вошедши в историю под названием - мужчина в воротничке "Эрроу" . Произошло это благодаря художнику и иллюстратору немецкого происхождения Джозефу Кристиану Лейендекеру.

В 1905 году он нарисовал серию плакатов "Arrow collar man", его работы рекламировали новую деталь туалета – высокий съемный воротничок.

Образ , созданный художником, отличался от солидных джентльменов 19-ого столетия своей гибкостью и изяществом. Мужчина "Arrow collar" - это благородный, сексуальный, здравомыслящий человек со вкусом и отменными манерами. И в белоснежном воротничке. В 1910-1920-е годы такой мужчина – самый популярный американский персонаж".



аз информацию спасибо Kavery и её ЖЖ

---

Лолита Торрес

Родилась в 1929 году, в Буэнос-Айресе.

Настоящее имя - Беатрис Мариана Торрес.



Ее отец был руководителем драматического театра, мать пела, и сама Лолита в 7 лет уже мастерски танцевала народные танцы. В 10 лет она поступила в школу классического испанского танца в Буэнос-Айресе, где занималась под руководством Луиса Сандрини. Через два года она снялась в фильме «Превратности судьбы», с Сандрини в главной роли. Но до этого девочка уже дебютировала в труппе отца. Потом были мечты о медицине, о балете. Образование Лолита продолжила в Национальной консерватории по классу пения и танца. Успех в кино пришел после исполнения ею главных ролей в фильмах «Девушка с огоньком» и «Возраст любви». Большинство будущих ее почитателей тогда впервые увидели ее лицо и услышали ее голос. Но из всех ролей, сыгранных в кино (а их около тридцати), самая известная (и любимая) роль Лолиты Торрес – в кинофильме «Возраст любви».



Тому, кто не видел и не слышал певицу хотя бы в кинофильмах, трудно представить себе то впечатление, которое Лолита производила на зрителей и слушателей. Нет таких восторженных эпитетов в самых превосходных степенях, которыми бы не характеризовалось ее искусство. В те годы в музыкально-развлекательный обиход уже вошел рок-н-ролл с его, тогда особенно остро ощутимой сверхраскованностью, почти вседозволенностью. И в эти же годы кумиром была Лолита, певшая и танцевавшая народные песни и танцы, бесхитростные песни городского фольклора. Быть может, самое сильное ее качество – редкостное обаяние. Оно одухотворяло все – ее грацию, пластику, выразительную, богатейшую мимику. Она слилась с обликом и характером своих героинь – милых, лукавых, упоительно музыкальных. Точнее, наделила их своими собственными достоинствами. Вот почему любой ее фильм имел успех – она была и осталась неподражаемой и неповторимой.



Умерла Лолита Торрес 14 сентября 2002 г.



Вот здесь можно прочитать интересное из биографии Лолиты Торрес и скачать некоторые её песни:

http://oldstars.narod.ru/lolita.html

---

И еще немного прекрасного от Галле и Лалика:-)

Эмиль Галле «Заря и сумерки». Кровать с изображением ночных бабочек. 1904 год.



Остальное - в комментах.

---

Филипп Вольферс

Филипп Вольферс родился в Брюсселе 16 апреля 1858 года и умер там же, 13 декабря 1929 года.



Учился на скульптора в Брюссельской академии художеств и работал в ювелирной мастерской своего отца Луи Вольферса.

В 1890-х годах испытывает влияние натурализма и японского искусства, начинает работать с серебром и бижутерией. Более редкие работы из слоновой кости, которые были представленны на Всемирной выставке в Брюсселе. В 1910 переходит к более геометрическим формам, менее насыщенным деталями.

Изделия Вольферса из стекла обрабатывались резчиками по камню в его собственной мастерской и всегда в единственном экземпляре.

Ваза с летучей мышью - истинное дитя символизма. Летучая мышь играет очень важную роль в иконографии модерна. Странные крылатые создания увековеченны во всевозможных материалах. Черный в дополнении к размытым цветам как нельзя лучше подходил для воплощения идеи болезненности, столь близкой символистам.



Картинки в комментах!

И опять в полный размер.

---

Тамара Карсавина

Выдающаяся российская балерина



Родилась в Петербурге в семье танцовщика Мариинского театра Платона Карсавина, внучатая племянница Алексея Хомякова, видного философа и литератора 1-й половины XIX века, сестра философа Льва Карсавина.

Училась у А. Горского в Петурбургском театральном училище, которое окончила в 1902 г. Еще воспитанницей исполнила сольную партию Амура на премьере балета «Дон-Кихот» в постановке Горского.

Балетную деятельность начинала в период кризиса академизма и поисков выхода из него. Балерина совершенствовала свое исполнительское мастерство у лучших российских и итальянских педагогов

Замечательный дар Карсавиной проявился в работах над постановках М. Фокина. Карсавина явилась родоначальницей принципиально новых тенденций в искусстве балета начала XX века, позднее названных «интеллектуальным искусством».

М. Фокин поставил для Карсавиной 7-й вальс в «Шопениане», партии Рабыни («Египетские ночи»), Жар-птицы («Жар-птица»), Шемаханской царицы («Золотой петушок») и др. Лучшие роли свои Карсавина — Девушка («Призрак розы») и Балерина («Петрушка») Карсавина исполнила в дуэте с В. Нижинским.

Стилизаторское мастерство, приобретенное в сотрудничестве с М. Фокиным, балерина использовала и в работе над академическим репертуаром. Карсавина исполнила главные партии в балетах «Жизель», «Лебединое озеро», «Раймонда», «Щелкунчик», «Спящая красавица» и др.

С 1918 г., выйдя замуж за английского дипломата Г. Брюса, жила в Лондоне.

С 1909 г. гастролировала с труппой С. Дягилева, в которой танцевала до 1929 г., исполнив наряду с прежними партии в балетах Л. Мясина «Песня Соловья», «Пульчинелла» и др.

В 1931 г. покинула сцену. Автор ряда статей, мемуаров, учебных пособий по классическому танцу. В 1930-1935 г.г. являлась вице-президентом английской Королевской академии танца.

Умерла в Лондоне 26 июля 1978 г.

---

Рене Лалик

Рене Лалик (1860-1945), ювелир и мастер по стеклу,– один из тех персонажей XX века, которые, что называется, изменили лицо искусства.



У Lalique свое прошлое, своя особенная история. Это не просто название торговой марки, это талант трех поколений художников с мировым именем.

Первым был Рене Жюль Лалик (1860-1945). Второе поколение - его сын Марк (1900-1977), сменивший отца в 1945г. Марк не просто продолжил семейное дело, но и продвинул его, он стал производить изделия из хрусталя. Дочь Марка Мари-Клер - третье поколение творцов - становится в 1977г., после смерти отца, главным художником предприятия.



Рене Жюль Лалик родился 6 апреля 1860 года в маленькой деревушке в провинции Шампань на севере Франции. В детстве он очень любил смотреть на облака. Он старался их нарисовать, но ничего не получалось. Эта детская мечта - нарисовать облако, когда оно перестает быть облаком и становится небом, - его мучила ужасно. Он изучал рисунок в Париже, работал подмастерьем у известнейшего парижского ювелира Луи Окока, потом учился в Школе искусств в Лондоне, а потом получил место у самого Картье. Его ценили, потому что он умел видеть детали, был упрям и точен, и такими же были его рисунки, и в 80-х годах XIX века в Париже уже все в один голос говорили о юном таланте Рене Лалике, мужчины пророчили ему большое будущее и золотые горы, дамы заказывали ему украшения. Слоновая кость, рог, эмаль, опалы и прочие полудрагоценные камни - все оживало в его руках. Он создавал из них то, что очень хорошо знал - змей, пчелок, шмелей, даже кузнечиков, эта деревенская фауна необыкновенно оживляла женские наряды, приводила дам в восторг. Колосья пшеницы, листья папоротника у него выходили как настоящие. Рене Лалик имел немалую смелость, чтобы в свою эпоху использовать женское тело в качестве элемента украшения, тем самым следуя забытому примеру художников Возрождения.



Поворотом в его карьере стало знакомство с актрисой Сарой Бернар, которая заказала ему серию украшений. Так как они были предназначены для сцены, должны были быть яркими и даже вызывающими, в них Рене Лалик смог реализовать свои самые смелые идеи. Всемирная выставка в Париже 1900 года лишь подтвердила его триумф; Лалик был награжден орденом Почетного легиона, музейные залы распахнулись для него.



Кроме ювелирных изделий, Рене Лалик делал изумительные бокалы, вазы и скульптуры из стекла, признанные настоящими произведениями искусства. Великий создатель парфюмерии Франсуа Коти (Francois Coty) был настолько потрясен изделиями Рене Лалика, что предложил ему использовать свой технический опыт и артистический талант в парфюмерной промышленности. Так, в 1907 году Рене Лалик становится дизайнером парфюмерных флаконов. В прошлом веке фирма LALIQUE создала неповторимые флаконы для духов таким известным парфюмерным домам, как Coty, Roger&Gallet, D’Orsay, Forvil, Gabilla, Molyneux, Molinard, Worth, Rochas, Lancome, Nina Ricci и т.д. Lalique не автоматизирует свое производство. Никогда хрустальных дел мастер не будет заменен на бездушную машину.



Его часы, настольные украшения, люстры и вазы были настоящими дизайнерскими объектами, производились небольшим тиражом и при этом в разных цветовых вариантах (некоторые – даже в десяти разных цветах). Они становились коллекционными сразу же, как выходили из его мастерской. Несмотря на то что мастерская Лалика не прекратила работы после смерти своего основателя (она существует и по сей день), гравировка "R. Lalique" исчезла с изделий из стекла. Ныне главным справочником для коллекционера изделий Лалика является труд искусствоведа Феликса Марсильяка (тысяча страниц текста, три тысячи иллюстраций), в котором каждому предмету, вышедшему из-под руки мастера, присвоен номер.



Картинки по-прежнему не в превью.

Смотреть в комментах!

---

О драгоценностях

"Молодые девушки не надевают бриллиантов никогда, даже в день свадьбы, за исключением того случая, когда после венца бывает вечером бал. До 20 лет они носят парюры из жемчуга, коралла и бирюзы, оправленной в драгоценный металл, из золотых вещей только медальон или крестик на бархатке, цепочек не нужно, часы маленькие и скромные.



После 20 лет допускаются недорогие камни, как гранат, малахит, аметист, камеи и эмаль.



После 35 лет женщины должны проститься с камнями, присвоенными молодости, как коралл, бирюза и все украшения фантазии, за исключением какой-нибудь действительно редкой, замечательной вещи, так как в этом возрасте надо быть очень осмотрительной в мелочах.



Днем носят массивные золотые парюры, чеканные или эмалированные, также камеи и эмали. Вечером надевают драгоценные камни, жемчуг и бриллианты. Носить бриллианты днем, даже в самой простой оправе, считается признаком очень дурного тона. Единственное, что можно себе позволить, это кольца, но их лучше надевать только для торжественных случаев.



Повторим еще раз, что обилие украшений во всяком возрасте придает отпечаток вульгарности и уничтожает изящество.

Заметим, кстати, что вещи из агата приличны всякому возрасту, и единственные допускаемые во время траура".



(с) Жизнь дома, в свете и при дворе

С.-Петербург, 1890.

---

И в качестве рекламы следующей темы...:-)

"На всемирной выставке 1900 года в Париже публика с утонченным вкусом (например писатель Жорис-Карл Гюисманс) была привлечена витриной, на которой в окружении бабочек-дам расположилась большая стрекоза.



Ее крылья были изготовлены из тончайшей золотой сетки и посредством шарниров могли приводиться в движение. Глубокие до темноты зеленые поверхности акцентированы маленькими сверкающими бриллиантовыми вставками, в то время как части крыльев выполнены из прозрачной эмали. На вытянутом в длину туловище закреплены зеленые хризопразы, перемежающиеся небольшими участками, в которые вплавлена темно-синяя эмаль. Соблазнительно прекрасное становится ужасным, когда видишь угрожающие когти и всматриваешься в бесстрастный зеленый лик прекрасной женщины, которая то ли погибает, то ли извергается, из пасти золотого монстра. Автор этого прекрасного кошмара - Рене Лалик."

---

Кто желает еще прекрасного в стиле Гаале - прошу сюда:



Декоративное стекло в стиле Галле

---

А теперь - вазы!

Я не буду уменьшать картинки и делать превью, поскольку в творениях Галле важны детали и рисунок.



Посему - картинки в комментах.



Эмиль Галле, Франция (1846 - 1904)

Аметистовая ваза, арт нуво

Стекло, техника cameo

---

Эмиль Галле

Дитя второй половины XIX столетия, эпохи эклектики, Эмиль Галле стал основателем стиля модерн в декоративном стекле. Мало того, он вышел за рамки им же созданного стиля, обогнал время и заглянул в будущую эпоху.



Эмиль Галле (1846-1904) был уникальной личностью. Этот чрезвычайно талантливый и энциклопедически образованный человек, давший свое имя целому направлению в развитии декоративно-прикладного искусства, являлся одновременно ученым-ботаником, незаурядным химиком, писателем, художником и философом. Во всех сферах своей многогранной деятельности ему удалось добиться серьезных результатов.



Возглавив в середине семидесятых годов XIX века торговый дом Галле-Рейнемер - семейное предприятие родителей, выпускавшее зеркала, изделия из стекла и керамики, - Эмиль Галле проводит ряд экспериментов с технологией эмалевых красок, в результате которых традиционная роспись цветными непрозрачными эмалями приобретает новое звучание.



Следующим этапом становится разработка Галле стеклянных изделий с цветочными формами. Однако всемирную славу Эмилю Галле и его знаменитому стилю создали непревзойденные вазы.



Эмиль Галле первым начал примешивать к стеклянной массе окислы металлов, прокладывать между слоями металлическую фольгу, добавлять к технике сложного многопланового травления технику маркетри. С помощью такого травления художники создавали изящное кружево черно-белых витражей, а техника маркетри в наши дни получила название фьюзинг. Схема довольно проста: из разноцветных кусочков стекла собирается картина, и после воздействия высоких температур эти кусочки спекаются, создавая единое целое.



Начиная со своего яркого дебюта на Парижской всемирной выставке 1878 завоевывал авторитет тонким умением соединять разнообразные прикладные инновации с образными принципами символизма. Пользовался техникой «лунного света» (clair-de-lune; подкраска оксидами кобальта, придающими стеклу сапфировый оттенок), создавал произведения из многослойного стекла (обработанного красителями, кислотой и резьбой) – с поверхностью, напоминающей камеи из прозрачного камня. Варьируя методы работы с горячей массой, вводя в фактуру фольгу, пузырьки воздуха и нарочитые трещинки, получал, если воспользоваться его собственным термином, «стеклянные маркетри». В орнаментах Галле доминировали мотивы трав, цветов, фруктов и насекомых, с 1884 он выпускал и так называемые «говорящие» стеклянные изделия (verreries parlantes) с цитатами из Ф.Вийона, Ш.Бодлера, С.Малларме, П.Верлена и других поэтов.



Стеклопродукция его фирмы (вазы, светильники и др.) подразделялась на массовую («индустриальную»), более дорогую (или «полуроскошную») и, наконец, уникальную – последнюю мастер изготовлял собственноручно. В 1901 по инициативе Галле был организован «Провинциальный альянс художественной промышленности» (позднее более известный как «Школа Нанси»).



Просуществовавшая после смерти Галле в 1904 году чуть более тридцати лет, знаменитая на весь мир мануфактура не выдержала экономического кризиса тридцатых годов и в 1936 году была продана с молотка. Но тем не менее последователи стиля Галле работают и в наши дни, создавая современные вещи по самым интересным образцам в технике, максимально приближенной к тому, что изобрел в свое время Эмиль Галле.



Одной из таких фирм является «COMAN DESIGN», завод по производству изделий художественного стекла, находящийся в Румынии и являющийся эксклюзивным обладателем прав на марку «Galle». Изделия, выпускаемые заводом, изготавливаются в точном соответствии с технологией Галее и не уступают оригинальным ни по качеству изготовления, ни по художественной ценности.